Ann Saddlemyer Award / Le prix Ann Saddlemyer

Named in honour of one of the Association’s co-founders, this award is given to the best book published in English or French in a given year. The winning book should normally constitute a substantial contribution to the field of drama, theatre, and performance studies in what is now known as Canada. The monograph must have been published in 2024.

Nommé en l’honneur d’une des cofondatrices de l’Association, le prix Ann Saddlemyer récompense le meilleur livre publié en anglais ou en français, au cours d’une année. Le livre gagnant doit normalement constituer une contribution importante aux études sur l’art dramatique, le théâtre et la performance, dans ce qu’on connaît actuellement comme le Canada. La monographie doit avoir été publiée en 2024.

2026 Winners

Kazubowksi-Houston, Magdalena. Randia’s Quiet Theatre: Performing Care and Activism with a Romani Elder. McGill-Queen’s University Press, 2025.

Magdalena Kazubowksi-Houston’s book, Randia’s Quiet Theatre: Performing Care and Activism with a Romani Elder, offers a singular take on ethnography, conceptualizing “quiet theatre” as both a methodology and an artistic practice that opens up space for activism in the lives of Romani women in Poland. This book’s originality also lies in its form, blending autofiction, ethnography, and theory from across a number of fields. The result is a vivid example of what a truly ethical and relational ethnographic research study can look like, with quiet theatre operating as a key practice through which more interdependent and accountable ethnographic relationships can be actualized. Quiet theatre is also a novel way for the ethnographer to contest deficit-oriented perspectives when studying and documenting the lives of others.

Aligned with Eve Tuck’s longstanding call for more “desire-based” approaches to counteract “damage-centered” narratives in research, this book functions as a powerful assertion of agency, dreaming, and the “not yet” in the experiences of marginalized communities. Quiet theatre is therefore an activist practice that opens up space to envisage alternative lifeways, resist foreclosure, and foreground the imagination as a source of healing and care. This book forms an integral part of a growing body of literature in theatre studies that is examining the connections between artistic practice and care, an area of study that has gained increased prominence and urgency in the wake of the COVID pandemic and of a social care crisis in which neoliberal economic policies have eroded state-sanctioned economic safety nets for vulnerable people, particularly older adults.

There is a directness of address in this book that, from the outset, establishes a sense of intimacy with the reader. While very much rooted in the scholarship of ethnography, ageing, and performance, it is the richness of the narratives, supported by a substantial body of interview and storytelling data, that implicates the reader in the following central questions: How can we study and write about the lives of the marginalized in ways that preserve dignity and dreaming? What is a truly ethical research encounter? The depth and breadth of the author’s theoretical references, and her confidence in synthesizing them and bringing them to bear on her case study, is impressive. This is a strikingly interdisciplinary and daring piece of theatre and performance scholarship that makes a case for the location of self and affect in our work as theatre scholars.

Work Cited

Tuck, Eve. “Suspending Damage: A Letter to Communities.” Harvard Educational Review, vol. 79, no. 3, Sept. 2009, pp. 409–27.

French:

L’ouvrage de Magdalena Kazubowksi-Houston, Randia’s Quiet Theatre : Performing Care and Activism with a Romani Elder, propose une approche singulière de l’ethnographie, en conceptualisant le « théâtre silencieux » à la fois comme une méthodologie et une pratique artistique qui ouvre un espace pour l’activisme dans la vie des femmes roms en Pologne. L’originalité de cet ouvrage réside également dans sa forme, qui mêle autofiction, ethnographie et théories issues de divers domaines. Il en résulte un exemple saisissant de ce à quoi peut ressembler une recherche ethnographique véritablement éthique et relationnelle, le « théâtre silencieux » fonctionnant comme une pratique clé permettant de concrétiser des relations ethnographiques plus interdépendantes et responsables. Le « théâtre silencieux » constitue également un moyen novateur pour l’ethnographe de remettre en cause les perspectives axées sur les déficits lorsqu’il étudie et documente la vie d’autrui.

S’inscrivant dans la lignée de l’appel lancé de longue date par Eve Tuck en faveur d’approches davantage « fondées sur le désir » pour contrer les récits « centrés sur le préjudice » dans la recherche, cet ouvrage constitue une affirmation puissante de l’autonomie, du rêve et du « pas encore » dans les expériences des communautés marginalisées. Le théâtre silencieux est donc une pratique militante qui ouvre un espace pour envisager des modes de vie alternatifs, résister à la perte d’autonomie et mettre en avant l’imagination comme source de guérison et de bien-être. Cet ouvrage s’inscrit pleinement dans un corpus de plus en plus riche de la recherche en études théâtrales qui examine les liens entre la pratique artistique et la prise en charge, un domaine d’étude qui a acquis une importance et une urgence accrues à la suite de la pandémie de COVID-19 et d’une crise de la prise en charge sociale dans laquelle les politiques économiques néolibérales ont érodé les filets de sécurité économique mis en place par l’État pour les personnes vulnérables, en particulier les personnes âgées.

Le ton direct de cet ouvrage établit d’emblée un sentiment d’intimité avec le lecteur. Bien qu’il s’inscrive pleinement dans la tradition des études ethnographiques, sur le vieillissement et les arts de la scène, c’est la richesse des récits, étayés par un corpus substantiel d’entretiens et de témoignages, qui implique le lecteur dans les questions centrales suivantes : comment étudier et écrire sur la vie des personnes marginalisées de manière à préserver leur dignité et leurs rêves ? Qu’est-ce qu’une rencontre de recherche véritablement éthique ? La profondeur et l’étendue des références théoriques de l’auteure, ainsi que son assurance à les synthétiser et à les mettre au service de son étude de cas, sont impressionnantes. Il s’agit d’un ouvrage de recherche sur le théâtre et la performance remarquablement interdisciplinaire et audacieux, qui plaide en faveur de la place du « moi » et de l’affect dans notre travail de chercheurs en théâtre.

Références

Tuck, Eve. « Suspending Damage: A Letter to Communities ». Harvard Educational Review, vol. 79, n° 3, septembre 2009, p. 409–427.

 

Meerzon, Yana and Mikhail Kaluzhsky. Performing Censorship: The Russian Case. Palgrave Macmillan, 2025.

Yana Meerzon and Mikhail Kaluzhsky’s Performing Censorship: The Russian Case offers a fresh and extraordinarily timely appraisal of how censorship has operated and continues to operate in Russia, which has relevance and urgency well beyond that context. This book’s most original contribution is its clear-sighted framing of how censorship has evolved from a top-down state-driven imperative, towards a more decentralized, cynical, and “edgeless” phenomenon, propelled by the actions of both state and citizenry. Considering censorship in this way can help theatre artists and scholars respond to what has become a more malleable and mobile mode of social and artistic control that covers its tracks.

The book begins with a historic overview of censorship in Russia from the Tsarist era, moving through the NEP, Soviet, and post-1989 contexts until landing on the resurgent conservatism and authoritarianism of the Putin regime. Then, the book examines censorship through the prisms of the Orthodox Church, World War II propaganda, gender and sexuality, feminist theatre practices, and the current wholescale invasion of Ukraine. The authors illustrate each section with detailed case studies that serve to complicate and illuminate their evolving definition of censorship. Throughout, the authors make reference to the Russian Constitution and selected laws and legislation around censorship, many of these emerging under the Putin regime, which helps ground the reader unfamiliar with the milieu.

While this book is situated in Russia, the lexicon it offers for a new, diffused model of censorship has relevance for all theatre practitioners, scholars and educators, in the context of Canada and beyond. By conceptualizing censorship as a decentralized mode of control through helpful terms such as “spin dictatorship” (after Guriev and Triesman) and “street censorship,” the authors alert us to how theatre artists at once censor themselves and are censored by members of the public through digital media platforms that have propelled an insurgent far right the world over. Understanding censorship in these ways can help theatre artists reckon with its creep in their own contexts. The authors, both Russians now living outside the country, do crucial work in bringing current cases of censorship, persecution, imprisonment, and worse to light in the context of Western theatre scholarship, speaking about the work of colleagues who are not free to do so. The book’s argument is inexorable, written with a clarity, specificity, and emotional resonance that should connect with a wide audience.

French:

L’ouvrage de Yana Meerzon et Mikhail Kaluzhsky, Performing Censorship: The Russian Case, propose une analyse novatrice et extrêmement opportune du fonctionnement passé et présent de la censure en Russie, dont la pertinence et l’urgence dépassent largement ce contexte.

La contribution la plus originale de cet ouvrage réside dans sa vision lucide de l’évolution de la censure : d’un impératif imposé par l’État de manière descendante, elle est devenue un phénomène plus décentralisé, cynique et « sans limites », alimenté tant par les actions de l’État que par celles des citoyens. Considérer la censure sous cet angle peut aider les artistes de théâtre et les chercheurs à faire face à ce qui est devenu un mode de contrôle social et artistique plus malléable et mobile, qui efface ses traces.

L’ouvrage s’ouvre sur un aperçu historique de la censure en Russie depuis l’époque tsariste, en passant par les contextes de la NEP, de l’ère soviétique et de l’après-1989, pour aboutir à la résurgence du conservatisme et de l’autoritarisme sous le régime de Poutine. Il examine ensuite la censure à travers les prismes de l’Église orthodoxe, de la propagande de la Seconde Guerre mondiale, du genre et de la sexualité, des pratiques théâtrales féministes et de l’invasion à grande échelle de l’Ukraine en cours. Les auteurs illustrent chaque section par des études de cas détaillées qui servent à nuancer et à éclairer leur définition évolutive de la censure. Tout au long de l’ouvrage, ils font référence à la Constitution russe ainsi qu’à une sélection de lois et de textes législatifs relatifs à la censure, dont beaucoup ont vu le jour sous le régime de Poutine, ce qui aide à situer le lecteur peu familier avec ce milieu.

Bien que cet ouvrage se situe en Russie, le lexique qu’il propose pour un nouveau modèle diffus de censure présente un intérêt pour tous les praticiens du théâtre, chercheurs et enseignants, tant au Canada qu’ailleurs. En conceptualisant la censure comme un mode de contrôle décentralisé à l’aide de termes pertinents tels que « dictature de la manipulation » (d’après Guriev et Triesman) et « censure de rue », les auteurs nous alertent sur la manière dont les artistes de théâtre s’autocensurent tout en étant censurés par le public via les plateformes numériques qui ont propulsé une extrême droite insurgée à travers le monde. Comprendre la censure sous ces angles peut aider les artistes de théâtre à prendre la mesure de sa progression insidieuse dans leurs propres contextes. Les auteurs, tous deux Russes vivant désormais hors de leur pays, accomplissent un travail essentiel en mettant en lumière, dans le cadre de la recherche théâtrale occidentale, des cas actuels de censure, de persécution, d’emprisonnement et pire encore, en s’exprimant au nom de collègues qui ne sont pas libres de le faire eux-mêmes. L’argumentation de l’ouvrage est imparable, rédigée avec une clarté, une précision et une résonance émotionnelle qui devraient toucher un large public.

 

Whittaker, Robin. Alumnae Theatre Company: Nonprofessionializing Theatre in Canada. University of Toronto Press, 2024.

Robin Whittaker’s Alumnae Theatre Company: Nonprofessionializing Theatre in Canada  offers an essential history of North America’s oldest women-run theatre group. The author conducts a granular appraisal of the company’s history, making the case of the importance of “nonprofessionalizing” theatre in advancing creative risk-taking in the professional domain. This is the book’s most vital and original contribution: to freshly appraise nonprofessionalizing theatre organizations according to the agility and innovation they are afforded by being untethered to the commercial and other constraints of their professional counterparts. As such the book makes a timely and urgent contribution to Canadian theatre scholarship while entering Canadian theatre into dialogue with international discourse about nonprofessionalizing theatre.

The book is organized in two sections, the first charting a lively history of Alumnae, from its inception in 1918 through to 2018, a remarkable century of activity. This section offers a clear evolution of the company’s programming, shaped by a rich array of primary sources, from critics’ articles to meeting minutes to interviews. The second section homes on on selected themes including the use of space, the presence of Alumnae on the festival and competition scene in Canada, the development of new Canadian plays, and the changing status of nonprofessionalizing theatre in Toronto and beyond. Whittaker relays this history in such a detailed and intimate way that the reader obtains a unique insight into the day-to-day operations of Alumnae, and the changing creative and critical landscape in which they made their decisions.

This vibrant history of Alumnae further narrates the emergence of the independent Toronto theatre scene over the course of the 20^th century: from the fundraising efforts of the war years; to the surfacing of a bold new theatrical vision through Alumnae’s staging of groundbreaking modern plays in the post-war decades; to the development of new Canadian plays which contribute to the crystallization of a distinct Canadian theatre identity. Out of this storytelling arises a clearer history that has previously existed of how the propulsion of theatrical innovation in Toronto was shaped by the intellectual and creative capacities of women as organizers, directors, and performers. The book urges us to pay attention to the hitherto hidden histories of these nonprofessional innovators, and understand how essential a robust nonprofessional theatre ecology is to the creative health of theatre writ large, in the Canadian context and beyond.

French:

L’ouvrage de Robin Whittaker, Alumnae Theatre Company : Nonprofessionializing Theatre in Canada, retrace l’histoire incontournable de la plus ancienne troupe de théâtre dirigée par des femmes en Amérique du Nord. L’auteure procède à une analyse minutieuse de l’histoire de la compagnie, démontrant l’importance du théâtre « non professionnalisant » pour encourager la prise de risques créatifs dans le domaine professionnel. C’est là la contribution la plus essentielle et la plus originale de cet ouvrage : réévaluer sous un angle nouveau les organisations théâtrales non professionnalisantes en fonction de l’agilité et de l’innovation que leur confère le fait de ne pas être soumises aux contraintes commerciales et autres auxquelles sont confrontées leurs homologues professionnelles. À ce titre, cet ouvrage apporte une contribution opportune et urgente à la recherche sur le théâtre canadien, tout en inscrivant le théâtre canadien dans le dialogue avec le débat international sur le théâtre non professionnalisant.

L’ouvrage s’articule en deux parties : la première retrace l’histoire vivante d’Alumnae, de sa création en 1918 jusqu’en 2018, soit un siècle d’activité remarquable. Cette partie présente une évolution claire de la programmation de la compagnie, étayée par un riche éventail de sources primaires, allant des articles de critique aux comptes-rendus de réunions en passant par des entretiens.

La deuxième partie se concentre sur des thèmes choisis, notamment l’utilisation de l’espace, la présence d’Alumnae sur la scène des festivals et des concours au Canada, le développement de nouvelles pièces canadiennes, ainsi que l’évolution du statut du théâtre non professionnel à Toronto et au-delà. Whittaker relate cette histoire de manière si détaillée et intime que le lecteur bénéficie d’un aperçu unique du fonctionnement quotidien d’Alumnae, ainsi que du paysage créatif et critique en mutation dans lequel la troupe prenait ses décisions.

Cette histoire vivante d’Alumnae retrace également l’émergence de la scène théâtrale indépendante de Toronto au cours du XX^e siècle : des efforts de collecte de fonds pendant les années de guerre à l’émergence d’une nouvelle vision théâtrale audacieuse grâce à la mise en scène par Alumnae de pièces modernes révolutionnaires dans les décennies d’après-guerre, en passant par le développement de nouvelles pièces canadiennes qui contribuent à la cristallisation d’une identité théâtrale canadienne distincte. De ce récit émerge une histoire plus claire, qui existait déjà, de la manière dont l’élan de l’innovation théâtrale à Toronto a été façonné par les capacités intellectuelles et créatives des femmes en tant qu’organisatrices, metteuses en scène et interprètes. L’ouvrage nous invite à prêter attention aux histoires jusqu’alors cachées de ces innovatrices non professionnelles, et à comprendre à quel point un écosystème théâtral non professionnel solide est essentiel à la santé créative du théâtre au sens large, dans le contexte canadien et au-delà.

 

Past Winners

2025 - Stéphanie Nutting, Rumeur, potin et parole oiseuse dans le théâtre contemporain d’expression française by Stéphanie Nutting, PU Montréal, 2024.

Honourable Mention - Gary Kuchar, Shakespeare and the World of “Slings & Arrows”: Poetic Faith in a Postmodern Age by Gary Kuchar, McGill-Queens UP, 2024.

2024 - Philip S.S. Howard, Performing Postracialism: Reflections on Antiblackness, Nation, and Education through Contemporary Blackface in Canada, University of Toronto Press, 2023.

Honourable Mention - Naila Keleta-Mae, Performing Female Blackness, Wilfrid Laurier University Press, 2023.

2023 - Roberta Barker, Symptoms of the Self: Tuberculosis and the Making of the Modern Stage. U Iowa P, 2022.

2022 - Karen Fricker, Robert Lepage’s Original Stage Productions: Making Theatre Global. Manchester: MUP, 2020.

Honourable Mention - Peter Dickinson, My Vancouver Dance History: Story, Movement, Community. Montréal et Kingston : McGill-Queen’s University Press, 2020.

2021 - Dylan Robinson, Hungry Listening: Resonant Theory for Sound Studies. University of Manitoba Press, 2020.

2020 (jointly awarded)
Julie Burrelle, Encounters on Contested Lands: Indigenous Performances of Sovereignty and Nationhood in Québec. Northwestern University Press, 2019.
Helene Vosters, Unbecoming Nationalism: From Commemoration to Redress in Canada. University of Manitoba Press, 2019.

2019 - Natalie Alvarez, Immersions in Cultural Difference: Tourism, War, Performance (U of Michigan Press, 2018).

2018 - Ric Knowles, Performing the Intercultural City (U of Michigan Press, 2017).

Honourable Mention - Barry Freeman, Staging Strangers: Theatre and Global Ethics (McGill-Queen’s UP, 2017).

2017 - Rick Cousins, Spike Milligan’s Accordion: The Distortion of Time and Space in The Goon Show. Leiden, Boston: Brill Rodopi, 2016.

2016 - Nicole Nolette, Jouer la traduction : théâtre et hétérolinguisme au Canada francophone. U of Ottawa Press, 2015.

2015 - Laura Levin, Performing Ground: Space, Camouflage, and the Art of Blending In. New York: Palgrave Macmillan, 2014.

2014 - R. Darren Gobert, The Mind-Body Stage: Passion and Interaction in the Cartesian Theater. Stanford UP, 2013.

Honourable Mention - Virginie Magnat, Growtowski, Women and Contemporary Performance: Meetings with Remarkable Women. New York: Routledge, 2014.

2013 (co-winners)
Heather Davis-Fisch, Loss and Cultural Remains in Performance: The Ghosts of the Franklin Expedition. New York: Palgrave 2012.
Jenn Stephenson, Performing Autobiography: Contemporary Canadian Drama. Toronto: University of Toronto Press, 2013.

Honourable Mention - Kirsty Johnston, Stage Turns: Canadian Disability Theatre. Montreal: McGill-Queen's University Press, 2012.

2012 - Alan Filewod, Committing Theatre: Theatre Radicalism and Political Intervention in Canada. Toronto: Between the Lines, 2011.

2011 - Erin Hurley, National Performance: Representing Quebec from Expo 67 to Celine Dion. Toronto: University of Toronto Press, 2010.

2011 - Magdalena Kazubowski-Houston, Staging Strife: Lessons from Performing Ethnography with Polish Roma Women. McGill-Queen’s University Press, 2009.

2010 - Candida Rifkind, Comrades and Critics: Women, Literature & The Left in 1930s Canada. Toronto: University of Toronto Press, 2009.

2009 - Sherrill Grace, Making Theatre: A Life of Sharon Pollock. Vancouver: Talonbooks, 2008.

2008 - Michael McKinnie, City Stages: Theatre and Urban Space in a Global City. Toronto: University of Toronto Press, 2007.

2007 - Louise Ladouceur, Making The Scene: La traduction du théâtre d’une langue officielle à l’autre au Canada. (Québec: Editions Nota bene, 2005)

2005 - Kym Bird, Redressing the Past: The Politics of Early English-Canadian Women’s Drama, 1880-1920. Montreal: McGill-Queen’s University Press, 2005.

Honourable Mention - Ric Knowles Reading the Material Theatre Cambridge: Cambridge UP, 2004.

2003 - Alan Filewod, Performing Canada: The Nation Enacted in the Imagined Theatre. Textual Studies in Canada Monograph Series: Critical Performance/s in Canada, 2002.

Honourable Mention - Diana Brydon & Irena R. Makaryk eds. Shakespeare in Canada: A World Elsewhere? Toronto: University of Toronto Press, 2002.

2001 - Ric Knowles, The Theatre of Form and the Production of Meaning: Canadian Dramaturgies. Toronto: ECW Press, 1999.

1999 - Leonard E. Doucette, The Drama of Our Past: Major Plays from Nineteenth-Century Quebec. Toronto: University of Toronto Press, 1997.

1997 - Paula Sperdakos, Dora Mavor Moore: A Pioneer of Canadian Theatre. Toronto: ECW Press, 1995.

1995 - Gilbert David et Pierre Lavoie, eds. Le Monde de Michel Tremblay: Des Belles-soeurs à Marcel poursuivi par les chiens. Montréal: Lansman, 1993.

1994 - Rémi Tourangeau, Fêtes et spectacles du Québec: Région du Saguenay-Lac- Saint-Jean. Québec: Nuit Blanche, 1993;

1993 - Diane Bessai, The Canadian Dramatist volume 2: Playwrights of Collective Creation. Toronto: Simon & Pierre, 1992.

1992 - Denis Johnston, Up the Mainstream. Toronto: University of Toronto Press, 1990.

1991 - Anni Brisset, Sociocritique de la traduction: Théâtre et altérité au Québec (1968- 1988). Longueuil: Préambule, 1990.

1990 - Chantal Hébert, Le burlesque québécois et américain. Textes inédits. Québec: Presses de l’Université Laval, 1989.

1989 - Bronwyn Drainie, Living the Part: John Drainie and the Dilemma of Canadian Stardom. Toronto: Macmillan, 1988

1989 - Jean-Luc Bastien & Pierre MacDuff, eds. La Nouvelle Compagnie théâtrale. En scène depuis 25 ans. Montréal: VLB, 1988.